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Im Jahr 1897 begab er sich um einer hübschen Frau namens Augusta zu folgen erstmals nach Paris und blieb dort der liebe wegen für einige monate. Im dezember 1899 ließ er sich dann dauerhaft in Paris nieder, heiratete seine augusta, und zog mit ihr in einen im Monmartre abgestellten Zigeunerwagen. . sein Brot verdiente er, indem er für verschiedene satirische zeitschriften wie beispielsweise l'assiette au beurre  Artikel schrieb. Wieder einmal war es unser schon bekannte kunsthändler Ambroise vollard, der ihm 1904 Gelegenheit zu einer Einzelausstellung in seiner Galerie in der rue lafitte gab. Ein Jahr später beteiligte sich kees van Dongen am Salon der Unabhängigen. Seine bilder zeigten Frauen. . Und man kann sagen: Fast ausschließlich. ( Das kennt man ansonsten nur von heutigen Maler innen wie elvira bach oder Fotograf innen wie cindy Sherman, die sich selbst zum Thema macht ).

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Von ihm stammt das manifestartige bekenntnis, das für alle fauvisten gilt (Zitat die farben werden für uns zu dynamitpatronen. Sie sollten sich entladen. Die idee in ihrer Frische war wundervoll, dass man über das Wirkliche hinausheben könnte. Das große verdienst dieser Versuche war die befreiung des Bildes von jedem nachahmenden und games konventionellen Zusammenhang. Wir gingen direkt die farbe. Auch george Braque, wurde, bevor er sich dem Kubismus zuwandte bzw. Ihn entwickelte, von den fauvisten stark beeinflusst. Über ihn werden wir aber in einer späteren Sendung sprechen. Erwähnen muss ich jedoch Van Dongen und Vlaminck. Die entstehung des fauvismus ist ohne die arbeit dieser beiden Künstler kaum denkbar. Kees van Dongen war der Sohn eines bierbrauers; er studierte von 18der akademie für Bildende künste und Technische wissenschaften in Rotterdam.

Diese tätigkeit war allerdings nicht einer rein künstlerischen Absicht geschuldet, sondern Matisse hatte darmkrebs, lungenembolien und schwere Operationen zu ertragen. Er konnte nicht mehr an der with Staffelei arbeiten, sondern nur noch im Bett oder im Sessel. Matisse war nicht der einzige der fauvisten, die später einen Weg zum dekorativen suchten. Ein beispiel ist pierre bonnard, der im Salon der Unabhängigen zusammen mit toulouse lautrec ausgestellt hatte und dessen Lithografien vom schon mehrfach erwähnten Kunsthändler Ambroise vollard verlegt wurden. . Als Plakatentwerfer gehört pierre bonnard, neben toulouse- lautrec, zu den großen Wegbereitern der modernen europäischen Plakatkunst. Einen äußerst dekorativen Farbflächenstil entwickelte auch André derain, der den fauvisten bis 1908 angehörte. Angespornt durch van Gogh setzte er wie dieser in kräftigen Flecken und Strichen die konstraste grell gegeneinander. Die farbe sollte in höchster Klarheit und reinheit erstrahlen.

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Als er 1908 das Gemälde la desserte malte, war schon gleich zu resumes erkennen, dass er nicht vorhat, den Natureindruck wiederzugeben, sondern ihn in ein Ornament umzuwandeln. Ein dekoratives Muster zu schaffen. (Eine Frau füllte eine Obstschale, die auf einem Tisch steht, den eine tischdecke bedeckt. Die ornamente der Tischdecke setzen sich als Tapete fort. Man sieht außerdem durch ein offenes Fenster in einen Garten.) die beziehungen zwischen dem Tapetenmuster, dem Tischtuch und den Gegenständen auf dem Tisch bildet das eigentliche Thema des Bildes. Selbst die menschliche gestalt und die landschaft im Fenster sind zum farbigen Muster geworden, und es stört darum gar nicht, dass sowohl die frau wie die bäume vereinfacht und leicht verzerrt sind, um zu den Tapetenblumen zu passen. Matisse selbst nannte sein Bild harmonie in Rot und nicht etwa frau deckt Tisch. Diese subtilität des dekorativen war Matisse Stärke, doch führte von hier aus kein Weg weiter. So ging er später dazu über, Scherenschnitte zu fertigen.

Dieses Gleichgewicht im Bild, harmonie und Einfachheit zeichneten in der zukunft alle bilder von Matisse aus. Große, monochrome Flächen beleben die leinwände, auf denen sich alle körper arabeskenhaft und frei bewegen. Nun, liebe kunstfreunde, wenn wir uns an das erinnern, was die expressionisten in deutschland umtrieb und was ihr ziel war, dann fällt es mir schwer, den älteren Matisse als Paradebeispiel des Expressionismus zu benennen. Ich denke an Käthe kollwitz und ihre Elendsbilder, die hätte sich im Grabe umgedreht. Rein formal erfüllt Matisse alle bedingungen expressiver Malerei: die bedeutung der Farben, die vereinfachungen zugunsten des Ausdrucks, die aufgabe der Perspektive aber inhaltlich gibt es doch große unterschiede zwischen dem Expressionismus in deutschland und Frankreich. Ich denke, matisse steht letzten Endes eher für sich selbst als für eine bewegung, auch wenn er sie mit initiiert hat. Er hatte schon in jungen Jahren die leuchtenden Farben orientalischer Teppiche bewundert, ebenso nordafrikanische landschaften.

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Er sagte: für mich liegt der Ausdruck nicht in der leidenschaft, die in einem Gesicht aufblitzt oder sich in einer heftigen Bewegung äußert. der raum, den die körper einnehmen, die leeren Partien um sie, die proportionen: dies alles hat seinen teil daran. Diese doch sehr eigenwillige haltung von Matisse konkretisiert sich etwas später in seinen eigentümlichen Bildern, die einen dekorativen Rhythmus und musikalischen Klang in die malerei bringen. Das war etwas neues. Für den Stadtpalast des russischen Industriellen und Sammlers Scutin in Moskau hatte business matisse 1909/1910 monumentale wandkompositionen zum Thema tanz und Musik entworfen. Das Werk der Tanz, das heute in der Eremitage von. Petersburg zu finden ist und das sie, liebe hörer, sicherlich aus Kunstbüchern und Kunstkalendern kennen, vereint fünf rötliche akte zu einem reigen.

Die figuren fassen sich an den Händen und drehen sich in schwungvoller Kreisbewegung. Matisse konzentriert sich auf die farben Rot, Blau und Grün und verzichtet rigoros auf alle details. Durch die großflächig aufgetragenen Farben gewinnt die komposition viel Energie. Matisse selbst beschreibt den Entwurf so (Zitat mein (erstes) Bild stellt einen Tanz dar, jene beschwingte leopard runde auf dem HügelDrei farben für das große tanzbild: Das azurblau des Himmels, das Rosa der Körper, das Grün der Hügel wir wollen durch die vereinfachung der Ideen und. Ein harmonisches Ganzes ist unser einziges Ideal.

meine ganze zuversicht und Beständigkeit habe ich (aus diesem Bild) gewonnen, bekannte er später. Cezanne musste matisse davon überzeugt haben, dass jedes Bild sich allein aus der reinen, vollen Farbe entwickeln ließ, und Matisse kannte die bilder von paul gauguin; sie hatten seinen Farbensinn stark entwickelt. Für Matisse gab es ein ziel: Jedes Bild sollte eine optische sensation. Sein Gemälde frau mit Hut, das bei der Ausstellung 1905 vor allem den skandal ausgelöst hatte, war so eine sensation. Auf dem Bild wurden die farben so klar und ungetrübt wie möglich aufgetragen; sehr kompakt bei kleidung und Hut, etwas transparenter im Hintergrund.


Viel Grün, Blau und Orange. Viel duktus statt Detail. überhaupt, dieser Hut: ein riesiges Monstrum, dreimal so groß wie das zarte gesicht. Große hüte waren damals in Mode, aber hier diente der Hut eher dazu, eine farbkomposition auf die leinwand zu bringen. Das Bild war eher ein Hutportrait mit Kleidung als das hübsche Protrait einer Frau. Aber wie sagte matisse: Ich schaffe keine Frau, ich mache ein Bild. Wir haben am Anfang der Sendung gesagt: Für den Expressionismus ist der Ausdruck das Entscheidende. Wir müssen nun differenzieren: Für Matisse galten nicht die ausdrucksformen van Goghs oder die der deutschen Expressionisten.

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Landschaftsbilder, hafenszenen, Fluss- und reviews meeresufer, Straßenszenen, porträts etc., aber man hatte die umrisse als Linien durch kräftige pinselstriche behauptet und satte farben verwendet. Beim Impressionismus hatte man die konturen aufgelöst und die farben fein differenziert hier war plötzlich das Gegenteil geschehen. Grelle farben, ein Gesicht in Gelb und Grün, orangefarbene haare, gemalt wie von Wilden, also jenseits aller zivilisation. Für uns heute bleibt festzuhalten: Der fauvismus in Frankreich war der erste Stil der Moderne, bei dem die farben alles andere beherrschen. Und wie predigte matisse seinen jungen Kollegen immer: Genauigkeit ist nicht die wahrheit. Bemerkenswert ist, dass Matisse in dieser Manier schon vor 1905 gemalt hat. 1898 entstand summary ein männlicher Akt ganz in Blau. Ein Jahr später kaufte er ein Bild von cezanne, titel Drei badende.

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gedächtnisausstellung für van Gogh und, seurat bei den Unabhängigen organisiert, während die werke von Édouard Manet im Herbstsalon gezeigt wurden. In der Ausstellung 1905 zeigten zehn junge maler, die sich um Matisse gesammelt hatten, ihre werke und lösten einen Sturm der Empörung aus. Louis vauxcelles verglich die bilder mit denen von "Wilden". Seiner Ansicht nach passten die in grellen, "wilden" Farben gehaltenen, plakativ gestalteten Gemälde nicht in den Rahmen des Salons. Henri matisse und andere künstler übernahmen später den Ausdruck die wilden - auf französisch. Les fauves - dann als Markennamen für ihre maltechnik. Zwar entsprachen die motive vielfach noch dem Impressionismus,.

Dasselbe galt für die farben. Sie sollten nicht etwas naturgetreu wiedergeben oder eine Stimmung erzeugen, sondern etwas bedeuten. Man griff verstärkt auf die reinen, farben zurück, die so ungebrochen ja kaum in der Natur vorkommen; grell manchmal und auf flächige, einfache formen aufgetragen. Wenn wir diese merkmale zugrunde legen und sagen, es sind diese drei, die den Expressionismus beschreiben, so bauen wir eine Schublade, in die viele listing werke jener zeit nicht unbedingt hineinpassen. Je nach Künstler und je nach Land gab es Abweichungen und andere Entwicklungen gott sei dank. Also lassen wir mal weitere definitionen und schauen lieber, was in deutschland und Frankreich zu jener zeit an Bildern gezeigt wurde. Die entwicklung der Malerei in diesen beiden Ländern war - was den Expressionismus betrifft nämlich sehr unterschiedlich. Zunächst also paris: Den Künstlern standen dort wie wir in einer früheren Sendung schon hörten - zwei. Salons für Ausstellungen zur Verfügung: der seit 1884 bestehende.

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Expressionismus ii matisse und die fauvisten). Hallo liebe kunstfreunde, in der letzten Sendung sprachen wir über die vorläufer des Expressionismus, über die abkehr von der impressionistischen Stimmungs-Malerei, über einige Protagonisten wie van Gogh, Edvard Munch, käthe kollwitz, ernst Barlach, paul gauguin. Im Expressionismus wurde der, ausdruck eines Bildes bedeutsam; die, bedeutung eines Bildes, seine. Es galt, eine subjektive sicht der Dinge zu zeigen, seelische zustände zu beschreiben oder politische aussagen zu entwerfen. Letzteres galt vor allem im politisch aufgeheizten deutschland, wenn wir uns die sozialkritischen Werke von Ernst Barlach oder Käthe kollwitz vergegenwärtigen. Die stilistischen Mittel dafür database waren. Die vereinfachung des Bildes und seine beschränkung auf das Wesentliche; dekorative details oder Hintergründe ließ man weg die perspektive musste nicht mehr eingehalten werden; Verzerrungen von Formen und Proportionen waren möglich und dienten der Ausdruckssteigerung.


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